Duoud - Zanzibar

Dead can Dance (Lo muerto puede bailar):Yulunga, el espíritu de la danza.

En Australia, de dónde es originario el grupo Dead can Dance, la tribu aborigen de los Watagora y los Kamilaroi utilizan la palabra "Yulunga" para referirse al "Espíritu de la Danza", de ahí parece provenir el verbo "yulugi" que en su lengua ancestral significa bailar o jugar.

Dead Can Dance -Yulunga (Spirit dance):

Yulunga es la diosa serpiente del Arco Iris según una leyenda Watagora.

"Los Watagora era un pueblo feliz que vivía de la caza de canguros, de algunos emús, y de la pesca. Conocían sus límites y trataban de coger sólo lo necesario.

No cazaban más allá de dónde vivía el ave del río que marcaba su frontera Este, (ahora llamado River Duck), y su pueblo podía así vivir alegre.

Pero un día llegaron unas gentes extrañas que se instalaron junto a sus pueblos y empezaron a comportarse como los dueños absolutos de las tierras.

Eran poderosos cazadores capaces de matar a muchos animales,y lo hacían sin necesidad.

Los Watagora empezaron a sentirse molestos por la actitud de aquellos hombres y trataron de expulsarlos sin éxito, porque el enemigo era fuerte y poderoso.

Así que los Watagora ,desesperados, decidieron invocar a los espíritus a través de la danza, para que acudiesen en su ayuda.

(Obra digital de artista aborigen australiano).

Mientras danzaban se desató una gran tormenta, la lluvia torrencial dio paso a un gran claro de Sol, y apareció ante ellos la Diosa "Yulunga" la serpiente Arco iris, que expulsó a los enemigos de su tierra.

Desde aquel día la serpiente Yulunga decidió permanecer con los Watagora por si volviese el enemigo.

(Antiguo grabado aborigen australiano)

Según los Watagora, Yulunga (Serpiente del Arco Irís y espíritu de la danza) todavía duerme en el Río del Pato (River Duck), y se despierta después de cada tormenta cuando es tocada por los rayos del sol, para vigilar el cielo y proteger a las buenas gentes."

Burramadagal clan of the Dharrug tribe.

Nuevo Arte Aborigen australiano.

Andy Goldsworthy: El Arte esencial de lo permanente y lo efimero.

A Andy Goldsworthy (Cheshire, Gran Bretaña, 1956) se le encuadra dentro de la corriente artística del Land Art por sus intervenciones sobre el paisaje y por la utilización en su obra de elementos naturales como madera, piedra, hojas, arcilla, barro, nieve y hielo.

Normalmente, usa estos materiales en el mismo lugar en el que los encuentra o en sus proximidades, sometiéndolos a formas y procesos que revelan y acentúan las propiedades específicas de los mismos, su contexto inmediato o su origen.

Goldsworthy se enorgullece de haber trabajado en una granja cuando era muchacho, y defiende la índole escultórica del trabajo manual agrícola.
Asimila el paisaje y lo comprende en su esencia, no trata de dominarlo.Explora las posibilidades de los elementos que lo integran, seleccionando cuidadosamente los materiales después de comprenderlos.

Su obra monumental demuestra un enorme sentido de innovación, concentración y de juego con el espacio abierto. La mayoría de sus trabajos artísticos son fotografiados y filmados en su proceso de transformación, y ésta es la manera en que se conservan, pues Goldsworthy acepta lo efímero como la ley que rige todas las cosas.

"Es un artista que trabaja con la levedad, en sus piezas vemos el movimiento y cambios que va mostrando con el paso del tiempo, el mira todas sus creaciones como temporales, su materia son objetos comunes en la naturaleza, pero en realidad en el trasfondo trabaja con el viento, la luz, el tiempo, donde más que buscar la perfección del objeto en si, nos muestra la energía y vida que tienen cada uno de ellos."(El calamo)

"El ciclo es importante. La manera en que elaboro una pieza es muy parecido al proceso del crecimiento. La escultura crece en el lugar. La construcción es un proceso de registro, parte por parte, célula por la célula. Decir que el ciclo ha alcanzado su final es quizás incorrecto al terminar la pieza. A pesar de todos los esfuerzos en la preservación, vendrá un punto cuando se deteriora -como con todo-. No sé cuánto tiempo tomará, pero durante un tiempo la escultura ocupará este espacio." (Andy Goldsworthy)

Con su obra pretende subrayar la inestabilidad del paisaje y el carácter efímero del arte; tensar y conectar las realidades convergentes “campo” y “ciudad”; penetrar en materias, seres y lugares y revelar lo que ya estaba dentro; destacar la proximidad entre presencia y desaparición, estructura y caos; reactivar el papel de la escultura en relación con lo constructivo y con el urbanismo...

Cúpulas de madera

La instalación que ha realizado en el Palacio de Cristal para esta su primera exposición en España, se inscribe en ese capítulo de trabajos “de tránsito”. Se titula En las entrañas del árbol y consiste en la construcción de una arquitectura primitivista y monumental, integrada por tres habitáculos coronados por cúpulas cuyos centros quedan abiertos al cielo por grades óculos.

El hecho de penetrar en la soledad de estas enormes estructuras ciclópeas (puestas en pie exclusivamente por un particular sistema de entrelazar –casi entretejer– troncos de pino, considerando su peso y equilibrio, sin utilizar clavos, herrajes ni argamasa) produce un impacto imponente de tensión y de alerta, de energía y de belleza, de artesanía y de genialidad, de fuerza material y de inestabilidad constructiva, de habitar un espacio simultáneamente cerrado, de paredes transparentes y de techumbre abierta al cielo, que parece girar arriba, a través de los sucesivos óculos cenitales. (El cultural)

Videos de Andy Goldsworthy en Youtube

Pieycha: Lo orgánico y lo primitivo, lo visionario y lo místico.

Pedro Sanjurjo, Pieycha, nace en Posada de Llanes (Asturias) en 1943.

Irrumpe en el mundo de la creación artística en 1989. Destacado dirigente sindical durante los últimos años del franquismo, se dedicó por entero al arte tras abandonar la política activa y ha desarrollado una extensa obra desde su primera exposición individual en 1990.

Los materiales que con más frecuencia emplea son las maderas, el mármol, piedras... materiales que "retuerce" hasta lograr complejas formas que nos remiten al origen de la vida, a formas zoomorfas... Trabaja sobre bases surrealistas dotadas de una simbología propia, donde el mensaje existe antes de nacer la obra.

Luchador incansable y comprometido, muchas de sus obras respiran un aire de denuncia contra la opresión y las injusticias.
La injusticia social, la opresión y el resurgimiento de la vida son el fondo. La naturaleza, las formas de animales y el surrealismo, la forma.

Sus piezas remiten a la escultura arcaica, siendo sus cuadros prolongaciones de su escultura. Busca ante todo el efecto expresivo, desprecia la ciencia de la perfección anatómica y trabaja los materiales desde una sólida base artesana.

Lo primitivo es la ley en el Arte del siglo XX, y Pieycha es un primitivo. Por muchas cosas. Por artesano que conoce una a una las piedras que trabaja sin descanso y obtiene resultados sorprendentes, consiguiendo a través de sus secretas técnicas una rabiosa originalidad. Sus piezas provocan al tacto: incitan a tocar los apliques metálicos, las superficies ásperas a la bujarda o los brillantes mármoles y calizas. Pero también es un primitivo por su simbolismo que nos habla de verdades ocultas, analogías olvidadas y de injusticias de una forma brutalmente expresiva.

Resumen de criticas sobre Pieycha.

Cerámica de Sargadelos:Laboratorio de Formas

O Laboratorio de Formas non nasceu coa intención de ser unha escola de arte vangardista como fora a Bauhaus ou unha institución científica e técnica do deseño industrial como fora Ulm (Alemaña); non trataba tampouco de se converter no que Vchutemas, un instituto visionario que uniu artistas, enxeñeiros, filósofos e poetas nunha situación histórica nova; non procuraba sequera conformar un movemento artístico icona de modernidade como fora o De Stijl e, sen embargo, o Laboratorio dende os seus comenzos ven estando íntimamente vencellado a todos eses fenómenos.

O Laboratorio foi creado como un ente teórico, un viveiro de ideas, un responsable ideológico; o L.F. son dúas siglas que encerran un proxecto de rehabilitación da identidade e da memoria histórica dentro e fóra de Galiza, un epígrafe de compromiso coas causas xustas nado no exilio e desenvolto no contexto do final da dictadura española.
O Laboratorio partiu da utopía de que o deseño, a configuración, podía cambiar o mundo, e máis concretamente Galiza. Baixo ese ideario argalláronse e materializáronse un rosario de proxectos estratéxicos para abranger distintos campos de acción como o mundo da empresa, a arte, a comunicación, a investigación, etcétera.

Máis que unha empresa o Laboratorio é todo un movemento para axudar a Galiza que fixo posible proxectos como a fábrica Porcelanas de Magdalena (1956), a renovación de Cerámicas do Castro (1962) e a recuperación de Sargadelos (1970); o Laboratorio desenvolviu unha importante labor de divulgación a través dunha editorial propia, Ediciós do Castro (1963) e do Instituto Galego de Información (1977); impulsou a creación dun centro para a recollida da obra e da documentación do movemento renovador da arte galega, o Museo Carlos Maside (1970); promoveu a investigación en diferentes áreas do coñecemento a través do intento de restitución do Seminario de Sargadelos (1972), adicado a investigación, identificación de materiais e conceptos deseñísticos para proxectalos na cerámica, e foi impulsor dos encontros internacionais en Sargadelos e do Laboratorio de Industria e Comunicación (1978), pensado para dar acollida ao Laboratorio Xeolóxico de Laxe (1979), a unha industria de artes gráficas, á escola de cerámica, aos obradoiros de composición, deseño, serigrafía e outros.

O Laboratorio deseñou ademáis unha rede de Galerías Sargadelos adicadas á arte, aos libros e á cerámica, que foron durante décadas a canle máis directa de difusión da labor do Laboratorio e unha oposición aos intereses mercantilistas dominantes.

Este texto está recollido do limiar do libro: estudo de Begoña Sonería Beloso]
[Edita: EDICIÓS DO CASTRO]

Atopau: Casa das Letras