Dead can Dance (Lo muerto puede bailar):Yulunga, el espíritu de la danza.

En Australia, de dónde es originario el grupo Dead can Dance, la tribu aborigen de los Watagora y los Kamilaroi utilizan la palabra "Yulunga" para referirse al "Espíritu de la Danza", de ahí parece provenir el verbo "yulugi" que en su lengua ancestral significa bailar o jugar.

Dead Can Dance -Yulunga (Spirit dance):

Yulunga es la diosa serpiente del Arco Iris según una leyenda Watagora.

"Los Watagora era un pueblo feliz que vivía de la caza de canguros, de algunos emús, y de la pesca. Conocían sus límites y trataban de coger sólo lo necesario.

No cazaban más allá de dónde vivía el ave del río que marcaba su frontera Este, (ahora llamado River Duck), y su pueblo podía así vivir alegre.

Pero un día llegaron unas gentes extrañas que se instalaron junto a sus pueblos y empezaron a comportarse como los dueños absolutos de las tierras.

Eran poderosos cazadores capaces de matar a muchos animales,y lo hacían sin necesidad.

Los Watagora empezaron a sentirse molestos por la actitud de aquellos hombres y trataron de expulsarlos sin éxito, porque el enemigo era fuerte y poderoso.

Así que los Watagora ,desesperados, decidieron invocar a los espíritus a través de la danza, para que acudiesen en su ayuda.

(Obra digital de artista aborigen australiano).

Mientras danzaban se desató una gran tormenta, la lluvia torrencial dio paso a un gran claro de Sol, y apareció ante ellos la Diosa "Yulunga" la serpiente Arco iris, que expulsó a los enemigos de su tierra.

Desde aquel día la serpiente Yulunga decidió permanecer con los Watagora por si volviese el enemigo.

(Antiguo grabado aborigen australiano)

Según los Watagora, Yulunga (Serpiente del Arco Irís y espíritu de la danza) todavía duerme en el Río del Pato (River Duck), y se despierta después de cada tormenta cuando es tocada por los rayos del sol, para vigilar el cielo y proteger a las buenas gentes."

Burramadagal clan of the Dharrug tribe.

Nuevo Arte Aborigen australiano.

Manu Arregui: Sentimientos y rupturas digitales en 3D.

Santander ( 1970). Vive y trabaja en Santander.

Manu Arregui pertenece a la nueva generación de artistas que ve en el arte un instrumento para la transformación social, un aparato, que interactúa y comparte espacio con otros como el cine, la publicidad, la moda, la música popular, etc.

Un nuevo arte que responde a un nuevo entorno social y cultural marcado por el desarrollo y la proliferación de nuevas tecnologías y abarrotado de un exceso de información, aunque mayoritariamente oficialista. Por eso, los y las artistas más innovadores del presente se replantean constantemente las categorías de arte y artista con el objeto de sortear la confusión y hacer llegar sus mensajes a las audiencias preservando la función (de critica y renovación) social del arte.

Manu Arregui es uno de ellos, produce toda su obra desde su modesto PC y se ha especializado en el modelado digital en tres dimensiones, un terreno asociado a los video juegos y a la industria del entretenimiento de Hollywood, dos campos cruciales para la transmisión ideológica a los sectores más jóvenes.

Coreografía para cinco travestís, 2001.
Animación 3D.

Este video animación en 3D, se enfrenta a la idea de la sexualidad con el principal objetivo de que la pieza represente una celebración de la vida, es una fiesta en blanco y negro al estilo de los primeros musicales de Hollywood estructurada según el binomio ocultar-revelar que en el lenguaje fílmico se plasma en el fuera y dentro de campo.

Siguiendo las notas de The Embassy Waltz, de Stanley Holloway (My Fair Lady) se suceden planos de manos y piernas hasta revelar el tronco al que pertenecen, focalizando en los genitales, que orinan en la apoteosis final. Así, descubrimos que lo que parecía ser no es, y que lo que es está más ligado de lo que creemos al parecer.

Mediante este ejercicio consigue derribar las preconcepciones sobre el sexo, el género y la sexualidad de corte naturalista, al mismo tiempo que cuestiona la sexualidad objetualizada y fetichista, subvirtiendo el lenguaje que habitualmente las configura.

Manu Arregui juega con todos estos elementos organizándolos en una nueva coreografía, su coreografía para un concierto de un presente más plural.

Xabier Arakistain. (Comisario de arte)

Un impulso lírico del alma, 2007.
Animación 3D.

En Un impulso lírico del alma, a través de un video que integra imágenes reales y virtuales de una coreografía en un austero paisaje onírico, descubrimos el virtuosismo del joven Rubén Orihuela, el primer deportista profesional de gimnasia rítmica, una especialidad fundamentalmente reservada a las mujeres.

Lejos de plantear una mirada documental, el autor ha tomado al protagonista como intérprete y no como sujeto particular, convirtiéndolo, de esta manera, en arquetipo de una nueva masculinidad que incorpora la feminidad.

Antoni Jové. (Crítico de arte, comisario de exposiciones, coordinador del Centre d’Art La Panera).

“En el proyecto encontraba varias constantes que han aparecido en otros de mis trabajos, además de recursos formales como la coreografía o los movimientos de la cinta. Era muy excitante poner en juego muchos conocimientos adquiridos, la elaboración de un storyboard, la fotografía, la escenografía en 3D, la animación de un personaje virtual, el diseño de iluminación, la composición de efectos, las locuciones ... y experimentar con nuevos elementos como la integración de la imagen "real" y la virtual, componiendo con la ayuda del chroma key.

Mientras, por el otro lado, sabía que con tal amalgama de disciplinas y técnicas era muy fácil acabar sepultado, por lo que mantener cierto orden discursivo me resultaba prioritario, necesitaba apoyarme en una sólida base teórica que no podía ser otra que el feminismo, varios textos fundamentales me acompañaron.

También me daba cierto aplomo tener presente que hay que mantenerse en guardia ante la oleada de reforma moral, el hecho de que la homosexualidad siga severamente penalizada en 80 países, y que en una decena de ellos se pueda aplicar incluso la pena de muerte.” Manu Arregi.

Explicación por Manu Arregui de su propio proceso creativo.

Gregory Barsamian: Entre realidad y sueños.

Gregory Barsamian nació en Chicago, Illinois y actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Sus obras son esculturas animadas.

Utiliza estructuras metálicas giratorias a las que ensambla distintas secuencias de objetos. Estás esculturas giran continuamente mientras proyecta destellos sincronizados de luz sobre ellas (luces estroboscópicas), generando en tiempo real el movimiento y la evolución de los objetos y creando la misma ilusión óptica en la que se basa el cine.

De hecho las técnicas que utiliza precedieron a la invención del cine. Inventos como el zoootropo, o el Phenakistiscope de Joseph-Antoine Ferdinand Plateau, que usan el principio de la persistencia de los estímulos luminosos en la retina, las postimágenes.

La temática de su trabajo está influida por los sueños, e inspirado argumentalmente por la obra del psicólogo Carl Gustav Jung. El espectador observando sus esculturas en movimiento experimenta la realidad asombrosa y provocativa de estar viviendo sueños.

Exposición de su obra y entrevista a Gregory Barsamian

Algunas danzas tradicionales del Arco Atlántico:

"Las danzas son melodías bailables de carácter comunitario, con pasos sencillos precisamente para permitir participar a todo aquel que lo desee.
Las hay cerradas y abiertas, las hay de gente que se coge por la mano o por el dedo meñique.
Estas danzas a su vez pueden tener un carácter ritual y ceremonial, vinculado a los santos patronales, y las danzas festivas, para divertirse, que se bailan con pasos sencillos y se echan coplas improvisadas de pique." (Lisardo Lombardia)

Galiza (Galicia):



Breizh (Bretaña):



Asturies (Asturias):



Alba (Escocia):



Eire (Irlanda):



Cymru (Gales):

Andy Goldsworthy: El Arte esencial de lo permanente y lo efimero.

A Andy Goldsworthy (Cheshire, Gran Bretaña, 1956) se le encuadra dentro de la corriente artística del Land Art por sus intervenciones sobre el paisaje y por la utilización en su obra de elementos naturales como madera, piedra, hojas, arcilla, barro, nieve y hielo.

Normalmente, usa estos materiales en el mismo lugar en el que los encuentra o en sus proximidades, sometiéndolos a formas y procesos que revelan y acentúan las propiedades específicas de los mismos, su contexto inmediato o su origen.

Goldsworthy se enorgullece de haber trabajado en una granja cuando era muchacho, y defiende la índole escultórica del trabajo manual agrícola.
Asimila el paisaje y lo comprende en su esencia, no trata de dominarlo.Explora las posibilidades de los elementos que lo integran, seleccionando cuidadosamente los materiales después de comprenderlos.

Su obra monumental demuestra un enorme sentido de innovación, concentración y de juego con el espacio abierto. La mayoría de sus trabajos artísticos son fotografiados y filmados en su proceso de transformación, y ésta es la manera en que se conservan, pues Goldsworthy acepta lo efímero como la ley que rige todas las cosas.

"Es un artista que trabaja con la levedad, en sus piezas vemos el movimiento y cambios que va mostrando con el paso del tiempo, el mira todas sus creaciones como temporales, su materia son objetos comunes en la naturaleza, pero en realidad en el trasfondo trabaja con el viento, la luz, el tiempo, donde más que buscar la perfección del objeto en si, nos muestra la energía y vida que tienen cada uno de ellos."(El calamo)

"El ciclo es importante. La manera en que elaboro una pieza es muy parecido al proceso del crecimiento. La escultura crece en el lugar. La construcción es un proceso de registro, parte por parte, célula por la célula. Decir que el ciclo ha alcanzado su final es quizás incorrecto al terminar la pieza. A pesar de todos los esfuerzos en la preservación, vendrá un punto cuando se deteriora -como con todo-. No sé cuánto tiempo tomará, pero durante un tiempo la escultura ocupará este espacio." (Andy Goldsworthy)

Con su obra pretende subrayar la inestabilidad del paisaje y el carácter efímero del arte; tensar y conectar las realidades convergentes “campo” y “ciudad”; penetrar en materias, seres y lugares y revelar lo que ya estaba dentro; destacar la proximidad entre presencia y desaparición, estructura y caos; reactivar el papel de la escultura en relación con lo constructivo y con el urbanismo...

Cúpulas de madera

La instalación que ha realizado en el Palacio de Cristal para esta su primera exposición en España, se inscribe en ese capítulo de trabajos “de tránsito”. Se titula En las entrañas del árbol y consiste en la construcción de una arquitectura primitivista y monumental, integrada por tres habitáculos coronados por cúpulas cuyos centros quedan abiertos al cielo por grades óculos.

El hecho de penetrar en la soledad de estas enormes estructuras ciclópeas (puestas en pie exclusivamente por un particular sistema de entrelazar –casi entretejer– troncos de pino, considerando su peso y equilibrio, sin utilizar clavos, herrajes ni argamasa) produce un impacto imponente de tensión y de alerta, de energía y de belleza, de artesanía y de genialidad, de fuerza material y de inestabilidad constructiva, de habitar un espacio simultáneamente cerrado, de paredes transparentes y de techumbre abierta al cielo, que parece girar arriba, a través de los sucesivos óculos cenitales. (El cultural)

Videos de Andy Goldsworthy en Youtube

Juan Carlos Romero: ¿Qué debería hacer una Escuela de Arte?

Nuestra forma de percibir el mundo se transforma continuamente, vinculada íntimamente a la evolución de nuestra cultura. Sin embargo, la enseñanza tradicional frecuentemente prioriza a la historia sobre el presente; ¿cómo asimilar el diálogo entre nuestros tiempos y el futuro?.

• Se necesita de instituciones que permitan incorporar los nuevos materiales y tecnologías a los ya tradicionales; que permitan acceder a un conocimiento integral y más complejo.

• Las prácticas artísticas contemporáneas están indicando un posible camino a seguir. Por un lado, una cada vez más evidente integración entre distintas expresiones artísticas, por otro, una urgente necesidad de integrar el arte con el diseño, con el fin de mejorar la calidad estética de los objetos de uso cotidiano, tanto visuales como táctiles y auditivos.

• Solo serán verdaderas escuelas de arte las que logren penetrar en los procesos de invención de la actividad artística de este momento. Las que, inmersas en el mundo y el trabajo de los artistas, en el seno de las regiones, las ciudades, donde ellos viven, participen activamente, generando una educación artística que contribuya a enfrentar los cambios de este panorama mundial con sus riesgos y oportunidades.
  

• La razón de plantear un cambio está evidenciada por el deseo del artista de mayor información. Parece ser necesaria la incorporación de estudios de arte con mayores nociones de la historia, además de crítica, museología, comercio artístico y pensamiento estético. El artista actual, más que un artesano que posee habilidades manuales tendrá que ser un individuo provisto de ideas y de estrategias.
  

• También tendrá que conocer nociones de gestión empresarial y económica, así como algunas pautas de comunicación, y la inevitable incorporación de los llamados nuevos medios, que por ahora son la fotografía, el video y las técnicas digitales.
  

• Con estas nuevas herramientas y una permanente visión actualizada del lugar donde se mueve el artista, la educación artística solo podrá estar presente si entiende que el proceso de cambio de la actualidad es permanente. Donde las certezas ya no funcionan como interpretación del mundo, y que la globalización, con todos sus vicios y virtudes, es hoy lo que debemos entender para tomar distancia de la idea, como estima Bourdieu, acerca de que la mayor parte de los intelectuales están demasiado sometidos a la visión dominante.

¿Quién es Juan Carlos Romero?

Extractos del discurso:Arte y Educación artística ¿Enemigos naturales?

Björk y Encyclopedia Pictura: Wanderlust, la llamada de lo salvaje

Los creadores del nuevo video en 3d de Björk, el espectacular Wanderlust, tienen una corta pero sobresaliente historia audiovisual. Defensores del detalle, modeladores de la realidad y enemigos de YouTube, Isaiah Saxon y Sean Hellfritsch son los nuevos reyes magos del videoclip.



Formados en la Escuela de Artes de San Francisco, llamaron la atención cuando a comienzos del 2007 hicieron un video para la banda indie Seventeen Evergreen (Haven't Been Yourself).
A fines del mismo año dejaron boquiabiertos a todos los afortunados que dieron con el video Knife para la banda Grizzly Bear, (clip que se ganó un sitio privilegiado en todos los recuentos de fin de año).

Hoy, gracias a Wanderlust para Björk, ya se han consagrado dentro de los mejores y más originales realizadores de la actualidad.

Lo que más llama la atención de Encyclopedia Pictura -y lo que los hace ser tan idiosincráticos en un medio donde la repetición de fórmulas es pan de cada día- es que han sabido crear un cierto tipo de plástica; una singular mezcla de medios digitales y texturas orgánicas. Aquello da pie a guiones extraños, marcianos, intrigantes, fascinantes. Historias que tienen a la naturaleza como escenario, pero una que es intervenida y potenciada en sus características propias de belleza y emotividad.



Making off de Wanderlust: 1 - 2

Videos de Encyclopedia Pictura en Youtube

Atopau: Vulevu

Pieycha: Lo orgánico y lo primitivo, lo visionario y lo místico.

Pedro Sanjurjo, Pieycha, nace en Posada de Llanes (Asturias) en 1943.

Irrumpe en el mundo de la creación artística en 1989. Destacado dirigente sindical durante los últimos años del franquismo, se dedicó por entero al arte tras abandonar la política activa y ha desarrollado una extensa obra desde su primera exposición individual en 1990.

Los materiales que con más frecuencia emplea son las maderas, el mármol, piedras... materiales que "retuerce" hasta lograr complejas formas que nos remiten al origen de la vida, a formas zoomorfas... Trabaja sobre bases surrealistas dotadas de una simbología propia, donde el mensaje existe antes de nacer la obra.

Luchador incansable y comprometido, muchas de sus obras respiran un aire de denuncia contra la opresión y las injusticias.
La injusticia social, la opresión y el resurgimiento de la vida son el fondo. La naturaleza, las formas de animales y el surrealismo, la forma.

Sus piezas remiten a la escultura arcaica, siendo sus cuadros prolongaciones de su escultura. Busca ante todo el efecto expresivo, desprecia la ciencia de la perfección anatómica y trabaja los materiales desde una sólida base artesana.

Lo primitivo es la ley en el Arte del siglo XX, y Pieycha es un primitivo. Por muchas cosas. Por artesano que conoce una a una las piedras que trabaja sin descanso y obtiene resultados sorprendentes, consiguiendo a través de sus secretas técnicas una rabiosa originalidad. Sus piezas provocan al tacto: incitan a tocar los apliques metálicos, las superficies ásperas a la bujarda o los brillantes mármoles y calizas. Pero también es un primitivo por su simbolismo que nos habla de verdades ocultas, analogías olvidadas y de injusticias de una forma brutalmente expresiva.

Resumen de criticas sobre Pieycha.

Cerámica de Sargadelos:Laboratorio de Formas

O Laboratorio de Formas non nasceu coa intención de ser unha escola de arte vangardista como fora a Bauhaus ou unha institución científica e técnica do deseño industrial como fora Ulm (Alemaña); non trataba tampouco de se converter no que Vchutemas, un instituto visionario que uniu artistas, enxeñeiros, filósofos e poetas nunha situación histórica nova; non procuraba sequera conformar un movemento artístico icona de modernidade como fora o De Stijl e, sen embargo, o Laboratorio dende os seus comenzos ven estando íntimamente vencellado a todos eses fenómenos.

O Laboratorio foi creado como un ente teórico, un viveiro de ideas, un responsable ideológico; o L.F. son dúas siglas que encerran un proxecto de rehabilitación da identidade e da memoria histórica dentro e fóra de Galiza, un epígrafe de compromiso coas causas xustas nado no exilio e desenvolto no contexto do final da dictadura española.
O Laboratorio partiu da utopía de que o deseño, a configuración, podía cambiar o mundo, e máis concretamente Galiza. Baixo ese ideario argalláronse e materializáronse un rosario de proxectos estratéxicos para abranger distintos campos de acción como o mundo da empresa, a arte, a comunicación, a investigación, etcétera.

Máis que unha empresa o Laboratorio é todo un movemento para axudar a Galiza que fixo posible proxectos como a fábrica Porcelanas de Magdalena (1956), a renovación de Cerámicas do Castro (1962) e a recuperación de Sargadelos (1970); o Laboratorio desenvolviu unha importante labor de divulgación a través dunha editorial propia, Ediciós do Castro (1963) e do Instituto Galego de Información (1977); impulsou a creación dun centro para a recollida da obra e da documentación do movemento renovador da arte galega, o Museo Carlos Maside (1970); promoveu a investigación en diferentes áreas do coñecemento a través do intento de restitución do Seminario de Sargadelos (1972), adicado a investigación, identificación de materiais e conceptos deseñísticos para proxectalos na cerámica, e foi impulsor dos encontros internacionais en Sargadelos e do Laboratorio de Industria e Comunicación (1978), pensado para dar acollida ao Laboratorio Xeolóxico de Laxe (1979), a unha industria de artes gráficas, á escola de cerámica, aos obradoiros de composición, deseño, serigrafía e outros.

O Laboratorio deseñou ademáis unha rede de Galerías Sargadelos adicadas á arte, aos libros e á cerámica, que foron durante décadas a canle máis directa de difusión da labor do Laboratorio e unha oposición aos intereses mercantilistas dominantes.

Este texto está recollido do limiar do libro: estudo de Begoña Sonería Beloso]
[Edita: EDICIÓS DO CASTRO]

Atopau: Casa das Letras